CinemascopeBlog

O Sol é Para Todos

2012-03-03T08:49:00.000-08:00

Eldred Gregory Peck era filho de um farmacêutico, que se divorciou quando ele tinha apenas cinco anos, Gregory Peck foi basicamente criado por sua avó. Adolescente, iniciou seus estudos de medicina na Universidade de Berkeley, quando se interessou em participar das atividades do teatro universitário. Pouco tempo depois, decidiu redirecionar seus estudos para a arte de representar. Assim, após ser graduado pela "The Neighborhood Playhouse School of the Theatre", em Nova York, estreou na Broadway, em 1942, na peça "The Morning Star" de Emlyn Williams. No ano seguinte, foi para Hollywood, conseguindo ser contratado pelos Estúdios da RKO Radio Pictures e estrear no cinema em 1944 no filme "Quando a Neve Tornar a Cair".

O estrelato, ele o alcançou no mesmo ano por sua excepcional atuação no filme "As Chaves do Reino", quando foi indicado ao Oscar de Melhor Ator, perdendo a estatueta para Ray Milland, por seu trabalho em "Farrapo Humano". Sua carreira em Hollywood se estendeu por mais de cinco décadas, ao longo das quais foi agraciado com o Oscar por sua atuação em "O Sol é para Todos" e com quatro outras indicações. Consagrado profissionalmente, Peck passou a atuar apenas em filmes que lhe interessavam.

Em 1967, recebeu da Academia Cinematográfica de Hollywood o Prêmio Humanitário Jean Hersholt. Em 1969, recebeu do Presidente Lyndon Johnson a Medalha Presidencial da Liberdade, a mais alta condecoração americana reservada a civis. Politicamente liberal, Gregory Peck sempre batalhou pelas causas ligadas a movimentos humanitários, políticos e do interesse da indústria cinematográfica.

Em outubro de 1942, casou-se com Greta Kukkonen, de quem se divorciou treze anos depois. Voltou a se casar em 31/12/1955 com a jornalista francesa, Véronique Passani, com quem viveu até sua morte. Do primeiro casamento, teve três filhos, Jonathan, Stephen e Carey Paul, enquanto que, do segundo, teve um casal, Tony e Cecilia. Jonathan, repórter de TV, suicidou-se aos 30 anos. Tony e Cecilia seguiram a carreira do pai.

Gregory Peck faleceu em 12 de junho de 2003 em Los Angeles, vítima de parada cardiorespiratória.

Fontes: 70 Anos de Cinema - IMDb

Capitão Von Trapp em Toda Forma de Amor

2012-02-26T11:00:00.000-08:00

Com mais de 50 anos de carreira e aos 82 de idade, o ator que ganhou fama como Capitão Von Trapp, no filme a A Noviça Rebelde, continua impagável.

Arthur Christopher Orme Plummer nasceu em Toronto, no Canadá, a 13 de Dezembro de 1929. Percorreu o cinema, o teatro e a televisão, marcando (e continuando a marcar) todas as áreas da representação.

No que respeita à vida pessoal, o ator teve três casamentos, o primeiro, em 1956, foi com Tammy Grimes, com quem teve uma filha, a atriz Amanda Plummer (Pulp Fiction). Em 1962, casou com a jornalista Patricia Lewis, de quem se divorciou cinco anos depois. Elaine Regina Taylor é a sua terceira mulher, com quem está casado desde 1970. Christopher Plummer publicou as suas memórias no livro In Spite of Myself: A Memoir, em Novembro de 2008.

A fama de Captain Von Trapp

O ator começou trabalhar na televisão, em séries e telefilmes, até que, em 1958, se dá a sua estreia no cinema com (Stage Struck). Dirigido pelo célebre realizador Sidney Lumet, Plummer teve aqui a oportunidade de trabalhar com dois dos melhores, contracenando também com Henry Fonda. Seguiu-se o seu primeiro papel principal, no mesmo ano, em (Wind Across the Everglades), de Nicholas Ray.

Todavia, foi em A Noviça Rebelde, em 1965, que o elevou à fama. No filme de Robert Wise, vencedor de cinco Oscar, entre os quais o de Melhor Realizador e de Melhor Filme, Christopher Plummer vestiu a pele do Capitão Von Trapp, ao lado de Julie Andrews. Ironicamente, o ator canadense não gostou de interpretar o papel que o tornou famoso, classificando-o de “sisudo e uni-dimensional” (“humorless and one-dimensional”).

Ainda na década de 60 e 70, seguiram-se muitos outros filmes, entre os quais se podem destacar Battle of Britain (1969), Waterloo (1970), The Return of the Pink Panther (1975), The Man Who Would Be King(1975) e Murder by Decree (1979), onde foi Sherlock Holmes. Depois de alguns anos afastado do cinema, Plummer regressa em grande estilo nas décadas seguintes.

Em 1992, Malcom X marca o regresso de Plummer aos bons filmes, seguindo-se 12 Macacos, em 1995, onde foi pai de Brad Pitt. Pouco depois, em 1999, o ator canadense mostra que ainda tem muito para dar em O Informante, de Michael Mann, ao lado de Al Pacino e Russell Crowe. Plummer tem aqui uma das suas prestações mais memoráveis e pela qual recebeu várias distinções, interpretando o jornalista de televisão Mike Wallace.

O novo milênio trouxe consigo um Christopher Plummer incansável. Em Uma Mente Brilhante (2001), vestiu a pele de Dr. Rosen, foi David em Ararat (2002), entrou em Alexandre, O Grande (2004) como Aristóteles. E outros filmes se seguiram, como Syriana (2005), O Novo Mundo (2005), Infiltrado (2006) ou A Casa da Lagoa (2006). Mais recentemente, no oscarizado Up – Altas Aventuras (2009), Plummer deu voz ao vilão Charles Muntz, e, no mesmo ano, foi Parnassus – O Homem que Queria Enganar o Diabo, ao lado de Heath Ledger, Johnny Depp, Jude Law e Colin Farrell.

Parece quase inacreditável que, com uma filmografia de mais de 100 filmes, Plummer tenha recebido a primeira (de duas) nomeação para o Oscar apenas em 2010, com 80 anos. É pelo papel do escritor e herói russo Leo Tolstoy, em A Última Estação (2009), onde contracena com Helen Mirren (que faz sua mulher), que a Academia o distingue, pela primeira vez em toda a sua carreira, com a nomeação para Melhor Ator Coadjuvante. No entanto, o prêmio foi entregue a Christoph Waltz.

Toda Forma de Amor, agora em 2012, parece ter sido o filme que lhe trouxe o mais que merecido reconhecimento. Aqui, Christopher Plummer interpreta Hal Fields, um homem que, seis meses após a morte da sua mulher, revela a sua homossexualidade e, pouco tempo depois, descobre que sofre de uma doença terminal. Ao lado de Ewan McGregor, Plummer tem um desempenho incrível e, agora, a Academia reparou.

Depois de surpreender o público e a crítica ao ganhar prêmios importantes como o Globo de Ouro e o Bafta por conta de sua atuação como gay setentão em “Toda Forma de Amor”, o ator Christopher Plummer é o principal favorito a levar o Oscar de melhor ator coadjuvante pelo mesmo papel.

Dividido desde o início da sua carreira entre o cinema, a televisão e o teatro, aos 82 anos Christopher Plummer continuou (felizmente) a um ritmo aceleradíssimo. De 2011, para cá, pudemos vê-lo em Padre e em Millennium 1: Os Homens que não amavam as mulheres, onde interpreta o empresário Henrik Vanger.

Fonte: Espalhafactos

Kramer versus Kramer

2012-02-24T13:30:00.005-08:00

Mary Louise Streep nasceu em 22 de junho de 1949 em New Jersey (EUA). É atriz de teatro, televisão e cinema - uma das mais premiadas de todos os tempos. Sua primeira participação no cinema foi em "Julia", de Fred Zinnemann, ao lado de Jane Fonda e Vanessa Redgrave.

A fama chegou com os filmes "O franco-atirador" e "Kramer vs. Kramer", ao lado de Dustin Hoffman. Este último filme lhe deu seu primeiro Oscar, de melhor atriz coadjuvante.

Seu desempenho artístico ainda lhe concedeu o Oscar de melhor atriz, em 1982, por sua participação em "A escolha de Sofia", além de seis Globos de Ouro, dois prêmios do Sindicato dos Atores, dois Emmys e um BAFTA. Meryl Streep foi indicada 15 vezes ao Oscar.

Streep estudou música, arte dramática e ópera na Universidade de Yale. Depois de acabar os estudos, trabalhou no Theatre Repertory Company, de Phoenix. Na televisão, atuou pela primeira vez na série "Holocausto".

Entre seus principais filmes estão "A mulher do tenente francês", "O retrato de uma coragem", "As pontes de Madison", "O diabo veste Prada" e, dentre os mais recentes, "Mamma Mia!", adaptação do famoso musical com canções do grupo ABBA.

Militância

Atriz original, ela soube alternar com inteligência seus papéis, utilizando sempre sua facilidade para imitar sotaques e alterar seu aspecto físico.

Filha primogênita de um executivo da indústria farmacêutica, Streep foi educada na fé batista e começou a estudar arte dramática no Colégio Universitário Vassar.

Admiradora de Katherine Hepburn e Simone Signoret, Meryl nunca se considerou uma estrela. Aprecia a vida simples, faz suas compras em supermercados, cozinha para toda a família e atende a todas as chamadas telefônicas.

Meryl é feminista, pacifista nata e uma das principais militantes contra o aquecimento global.

Em 2009, foi novamente indicada ao Oscar de melhor atriz, por seu trabalho em "Dúvida", dirigido por John Patrick Shanley.

Fonte: El País

O Sétimo Selo

2012-02-24T12:55:00.000-08:00

Max Carl Adolf von Sydow, mais conhecido como Max Von Sydow, ator preferido de Ingmar Bergman, o sueco estreou no cinema em 1949, após uma espetacular carreira nos palcos suecos. Estudou na Escola Real de Artes Dramáticas de Estocolmo, o que o proveu de todo suporte dramático suficiente para chamar a atenção de Bergman e para a sua rápida ascenção no cenário cinematográfico internacional. E não podia ser diferente. Max von Sydow logo se tornou um dos atores mais respeitados de sua época.

Logo após seu primeiro filme, von Sydow despertou o interesse de Ingmar Bergman, que em 1957 o convidou para atuar em dois de seus clássicos universais: O Sétimo Selo, no qual von Sydow interpreta impecavelmente um cavaleiro das Cruzadas que enfrenta ninguém menos que a Morte e propõe a ela uma partida de xadrez, apostando a sua própria vida, e Morangos Silvestres, mais uma obra-prima existencial. Mas o seu fascínio também iria conquistar a América.

O veterano ator Max Von Sydow, indicado ao Oscar por "Tão Forte e Tão Perto", aproveitou sua presença no Festival de Berlim para falar de sua extensa carreira e agradecer as oportunidades que recebeu na vida.

"É uma profissão apaixonante. Graças à Deus tive muitas oportunidades, tudo gira em torno das oportunidades. Se não tiver oportunidades não poderá demonstrar nada do que tenha sido feito com teu talento", declarou o ator sueco.

Sydow também afirma que teve muita sorte em sua carreira, incluindo o teatro. Segundo o ator, que completará 83 anos em abril, os palcos são "particularmente apaixonantes", um trabalho feito "mais em equipe que o cinema", onde também aprendeu muito.

"O que mais significou para mim foi o senhor (Ingmar) Bergman. Aprendi muito com ele e também sinto saudades. Foi uma experiência extraordinária e única trabalhar com ele, que era uma grande inspiração em muitos níveis", disse o ator.

Agora, mais de 20 anos depois, o ator volta a ser indicado por sua interpretação em "Tão Forte e Tão Perto", do diretor britânico Stephen Daldry. "Foi interessante porque foi diferente, diferente de papéis normais. Desfrutei muito, foi fascinante", detalha Sydow.

Segundo o ator, "uma das coisas apaixonantes de atuar é que cada novo personagem que tem que representar é uma nova personalidade. É como se tivesse novos amigos, que podem deixar pegadas. Os papéis que interpretamos é como se fossem velhos amigos. É apaixonante".

Sydow também destacou que teve muita sorte em trabalhar com cineastas "verdadeiramente criativos", como Daldry, considerado por ele como "um maravilhoso diretor de cinema".

"Como trabalhei durante muito tempo com Bergman, realmente não posso comparar ele com nenhum outro nome. Mas, tive muita sorte e muitas oportunidades maravilhosas", aponta.

"Estou interessado nas pessoas, na história e em como deveria ser nosso mundo", declarou o ator, que também fez questão de revelar um pequeno segredo: "Se pudesse realizar um desejo na vida, seria apertar um botão e ser capaz de falar e entender qualquer idioma".

O Sétimo Selo - Legendado- 1956

Fontes: Agência EFE - NostalgiaBR

Barbarela

2012-02-12T14:07:00.000-08:00

por Lucas Salgado

Filha do lendário ator Henry Fonda (“Doze Homens e uma Sentença”), Jane Seymour Fonda tinha pouquíssimo interesse em seguir os passos do pai. Para a felicidade da sétima arte ela mudou de idéia, em 1958, quando convencida por Lee Strasberg se juntou ao Actors Studio, tradicional escola de atores de Nova York. Dois anos mais tarde, Jane já estrelava seu primeiro filme, “Até os Fortes Vacilam”, ao lado de Anthony Perkins.

O ano chave para alavancar de vez a carreira da atriz foi o de 1962, quando estrelou três filmes: “Pelos Bairros do Vício”, “A Vida Íntima de Quatro Mulheres” e “Contramarcha Nupcial”. Essas três importantes aparições no ano deram a atriz seu primeiro prêmio, o Globo de Ouro de Melhor Revelação Feminina. Nos anos seguintes, Fonda atuou em “Ronda do Amor”, “Domingo em Nova York”, “Incerto Amanhã”, “Qualquer Quarta-feira” e “Descalços no Parque”. Durante os anos 60, os maiores sucessos da atriz foram: “Dívida de Sangue”, excelente paródia dos filmes de faroeste, justamente um gênero onde pai se dava muito bem; “Barbarela”, ficção-científica extremamente ousada que transformou de forma imediata Jane em um símbolo sexual mundialmente conhecido; e “A Noite dos Desesperados”, drama dirigido por Sydney Pollack, que lhe rendeu a primeira, de um total de seis, indicação ao Oscar de Melhor Atriz.

Se os anos 60 terminaram com uma indicação ao prêmio da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas de Hollywood, os 70 iniciaram com uma conquista. “Klute - O Passado Condena”, de 1971, rendeu à Jane Fonda praticamente todos os prêmios possíveis no ano: o Oscar, o Globo de Ouro, o BAFTA e o prêmio da Associação de Críticos de Nova York. A década de 70 foi muito movimentada na vida pessoal da atriz. Em 16 de janeiro 73, ela se divorciou do diretor francês Roger Vadim, vindo a se casar novamente apenas cinco dias depois, em 21 de janeiro, com o ativista político Tom Hayden. Com o casamento a vida de Jane passou a ser muito mais engajada, chegando ao ponto dela receber o apelido de “Hanói Jane”, uma referência a capital do Vietnã do Norte, onde esteve realizando protestos contra a ofensiva norte-americana no país. A viagem à Hanói despertou a antipatia de boa parte da população dos Estados Unidos, principalmente por causa de uma foto em que aparece ao lado de soldados vietnamitas. Esta foto ganhou um capítulo a parte na biografia “My Life So Far” (“Minha Vida até Agora”), que Fonda lançou em 2005. No livro a atriz pede desculpas pelo ato, atribuindo o mesmo a uma “falta de juízo”. “Se me utilizaram, eu deixei que isso acontecesse. Foi minha culpa e paguei e continuo pagando um alto preço por isso”, afirmou.
Mas não ia ser uma foto que ia acabar com a carreira de uma atriz como Jane Fonda. Ela deu a volta por cima ainda nos anos 70, com o lançamento de: “Julia”, que marcou a estréia no cinema de outra talentosíssima atriz, Meryl Streep; “Amargo Regresso”, drama de guerra em que contracena com Jon Voight, e que lhe rendeu seu segundo Oscar; e “Síndrome da China”, que conta ainda com as presenças de Jack Lemmon e Michael Douglas.

Os anos 80 começaram com o lançamento da divertida comédia “Como Eliminar Seu Chefe”, mas o longa da atriz que mais se destacou na década foi sem sombra de dúvida “Num Lago Dourado”. O longa recebeu 10 indicação ao Oscar, incluindo uma de Melhor Atriz Coadjuvante para Jane. Mesmo não lhe dando o prêmio, o filme foi importante para atriz, pois foi a primeira fez em que atuou ao lado do pai, Henry Fonda. Também marcava presença no filme a eterna Katharine Hepburn. Nos anos seguintes, Fonda, mas uma vez, deu uma reviravolta em sua vida. Ela se transformou na musa da ginástica aeróbica, lançando livros e vídeos que viraram best-sellers e abrindo uma academia em Beverly Hills. Jane ainda atuaria em “Agnes de Deus”, “A Manhã Seguinte”, “Gringo Velho” e “Stanley e Íris”, antes de anunciar a aposentadoria em 1990. Neste mesmo ano, Jane se divorciou de Tom Hayden, vindo a se casar novamente no ano seguinte, com o fundador da rede CNN, Ted Turner. A aposentadoria teve como principal motivação a intenção de fazer este novo casamento dar certo, mas no início dos anos 2000 já estava ela se divorciando novamente.

Quinze anos após a aposentadoria, em 2005, Jane Fonda volta a experimentar a sétima arte. A própria atriz afirmou que os únicos atrativos para realizar “A Sogra” foram o dinheiro, para continuar investindo em suas causa sociais, e a vontade de ver como se portaria novamente em cena. Fonda é uma das poucas alegrias neste longa co-estrelado por uma Jennifer Lopez totalmente apagada pela veterana.

A Rainha Margot

2012-02-12T13:50:00.000-08:00

Virna Lisi (1936) - Ainda hoje, uma bela senhora, Virna é uma das atrizes de maior prestígio da Itália. Nascida em Ancona, teve sua chance pela mão do amigo da família Giacomo Rondinella, que a levou a estrear em 53 em E Napoli Canta. Durante anos passou fazendo coadjuvante, discreta até Joseph Losey a usar em Eva (62) e Christian Jacque a pôs ao lado de Alain Delon em A Tulipa Negra (63). Finalmente Hollywood a descobriu e a lançou como estrela em Como Matar sua Mulher, com Jack Lemmon (64). Fez outros filmes americanos (Assalto a um Transatlântico, com Sinatra, O Segredo de Santa Vitória, de Stanley Kramer, A Vigésima Quinta Hora, com Anthony Quinn, A Jovem e o General, com Rod Steiger, Com Minha Mulher Não Senhor, com Tony Curtis, O Barba Azul, com Richard Burton) e comédias italianas (As Bonecas, Casanova 70, Um Virgem para o Príncipe, Confusões a Italiana, de Pietro Germi, Arabella etc).

Quando envelheceu não foi problema se tornando uma competente atriz (votada como melhor atriz em Cannes por A Rainha Margot).

São 106 trabalhos, sendo o último a minissérie Catherina e sue Figlie (11). Vive até hoje com o marido Franco Pesci. Outra que nunca se despiu, mas o iMDB a chama ainda de Deusa! (Rubens Ewald Filho)

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A Rainha Margot

Virna Lisi atualmente aos 76 anos

O ano é 1572. Após um longo período de negociações, finalmente é acertado o casamento entre a católica Marguerite de Valois, apelidada por seus irmãos de Margot, e o protestante Henri de Navarre.

O motivo desta união é reconquistar a paz na França, terminando com a guerra religiosa que está devastando o país. Mas Catherine de Médicis, mãe de Margot, tem outros planos para seus antigos inimigos.

Seis dias após o casamento, acontece a fatídica noite de São Bartolomeu. Milhares de protestantes são massacrados pelos católicos nas ruas de Paris. Em meio aos horrores dessa noite, Margot salva a vida de um rapaz protestante e se rebela contra a violência de sua própria família.

Um filme envolvente, violento e sedutor!

A Noite Americana

2012-02-12T13:43:00.000-08:00

Winnifred Jacqueline Fraser-Bisset (Weibridge, Surrey, 13 de setembro de 1944, é uma atriz britânica.

Aos quinze anos, com a separação dos pais, optou por cuidar da mãe, uma advogada francesa que, acometida de esclerose múltipla, já não podia trabalhar.

Nessa época, fez os primeiros cursos de interpretação e, graças a seus magnéticos olhos azuis, conseguia trabalhos como modelo fotográfico.

Logo iniciou no cinema, primeiro em pequenos papéis, até que em 1967 foi convidada para trabalhar com Stanlen Doney em Two for the Road e, no mesmo ano, em Casino Royale, ao lado de Peter Sellers, John Huston, Woody Allen e David Niven.

Em 1968, Mia Farrow abandonou as filmagens de The Detective, e Jacky (como entrou nos créditos) ficou com o papel. Ainda em 68, trabalhou com Steve McQueen em Bullitt, um grande sucesso.

Seu grande trabalho, no entanto, só viria em 1973, em A Noite Americana, de Françoir Truffaut. Com esse filme, Jacky conquistaria o respeito do público e dos diretores europeus.

Depois de O Fundo do Mar (1877), seria considerada uma das mais belas atrizes de todos os tempos pela revista Newsweek, cujos críticos ficaram encantados com a cena em que ela sai da água com uma camiseta colada ao corpo.

Em 1979, o reconhecimento da crítica: foi indicada para o Globo de Ouro por “Quem Está Matando os Grandes Chefes da Europa?”. Em 1984, a segunda nomeação, desta vez por Under The Volcano, em que contracenou com Albert Finney.

Em toda a sua carreira, Jacky trabalhou com diretores consagrados, como Truffaut, John Huston, George Cukor (Ricas e Famosas) e Roman Polanski. Mas ela também tem feito vários trabalhos para a televisão, principalmente a partir da década de 1990.

Jacqueline é madrinha da atriz Angelina Jolie.

As Vinhas da Ira

2012-02-12T13:27:00.002-08:00

Jurandi Lima

Henry Jaynes Fonda nasceu em Grand Island, Nebraska, artista de talento e pai de filhos famosos, atuou ao lado de Jane Fonda e Katherine Hepburn em Num Lado Dourado (On Golden Pond), o último trabalho e que valeu-lhe seu único Oscar, em 1981. Foi a mãe de Marlon Brando, Dorothy, que insistiu com o jovem e tímido Henry, fazendo com que ele tomasse coragem e pisasse num palco pela primeira vez. Estreava numa modesta companhia de Omaha, aos 20 anos. Sua primeira aparição nas telas deu-se em 1935, com Amor Singelo (The Farmer Takes a Wife), repetindo o mesmo papel desempenhado no teatro.

Está ai um dos monstros mais sagrados do cinema. E tal titulo que lhe outorgo o faço por mera justiça, já que estou falando do grande Henry Fonda. Este sim foi um Fonda que teve o talento necessário para por honra no clã.

Se o ocorrido sobre a mãe do Brando é mesmo um fato, então deveriam ser bons amigos os dois, ele e o Marlon, fato que jamais ouvi um comentário sequer.

Não amo muito a Jezebel, o filme mais velho que vi com o Henry. Porém, de uma coisa eu não perdoo naquela produção; ter sido um bonito como aquele, principalmente porque havia o problema do vestido da Betty Davis, em P&B.

Não conheço o porque, mas sei que não era um pai muito apegado aos filhos Peter e Jane. Ou seria ao contrário, eles não amarem tanto ao pai e esta razão os afastou e os alijou de seus espólios.

Mas acho que isto não trouxe problemas para nenhum dos dois, já que quando ele se foi, aos 77, ambos já tinham suas carreiras firmadas.

Ator de filmes sensacionais, com interpretações que marcaram, Fonda me deixou muito impressionado por seu trabalho, modesto, bem feito e bem arregimentado, em Vinhas da Ira.
Está aí um trabalho do Ford em que eu ponho valor do principio ao fim, e onde a obra de Stainbeck foi recriada, no meu ver, melhor que o romance. Um filme dotado de tudo de mais precioso que uma pelicula necessita para ser considerada magnifica; situações, interpretações, fotografia em P&B magnifica,(este tinha mesmo que ser sem cores), boa escolha de atores, locações e, principalmente o trabalho de Ford de Fonda e de Carradine.

São destes astros que sentimos saudades. É de um Lancaster que precisamos. Como viver sem as musicas que Douglas entoava e seus explosivos momentos de pura ira? Nos faz falta os faroestes que Scott fazia com o Boeticher. Não temos mais um Homem do Oeste de Mann, Flechas de Fogo de Daves, Rastros de Ódio de Ford, Sete Homens e Um Destino de Sturges, ou de um Rio Vermelho de Hawk's.

A falta arrazadora de astros e diretores como estes (e muitos outros mais), é que nos fazem saudosos do bom cinema, do prazer de nos recostarmos numa poltrona de cinema para vermos um bom filme! De nossa imaginação que ainda fervilhava, mesmo muito tempo depois de deixar a sala escura dos empoeirados cines de bairro.
O saudosismo do que era bom me arrebata e me faz escravo de um tempo que não mais o teremos.

Que bom que ainda temos o poder de rever tudo que de bom já foi feito em DVD. Principalmente porque quase tudo que é feito hoje, não têm valor se não for uma versão nova do que vimos no original.

jurandir_lima@bol.com.br

Era Uma Vez no Oeste

Jane Fonda e o pai Henry

Drew Barrymore... Conheça os demais clicando no banner "HOLLYWOOD GAY", ali em cima.

2012-02-09T13:21:00.000-08:00

Questionada por qual celebridade sentia atração, a atriz Drew Barrymore não teve dúvidas ao fazer a escolha, que recaiu sobre uma apresentadora. Ela disse ter “uma queda” por Rachel Maddow, assumidamente gay.

Ela apresenta o programa “Rachel Maddow Show”, veiculado em rádio e no horário nobre da televisão americana, e também é comentarista política. Drew fez a revelação na festa de uma linha de maquiagem da qual é embaixadora, na qual chegou e saiu sozinha. A atriz não assume um namoro desde 2008, quando rompeu com o colega de profissão Justin Long.

Em 2004, ela disse que “duas mulheres juntas são lindas, assim como um homem e uma mulher juntos são lindos. Estar com uma mulher é como explorar seu próprio corpo, mas através de outra pessoa. Quando eu era jovem Eu costumava sair com muitas mulheres. Totalmente, eu adoro isso!".

Fontes: http://en.wikipedia.org/wiki/Drew_Barrymore - sites e blogs americanos

O Poderoso Chefão

2012-02-04T09:02:00.000-08:00

Caricatura de um flagrante em 1963, momentos antes da Marcha Pelos Direitos Civis em Washington (DC) ,EUA.

MARLON BRANDO Jr. nasceu em Omaha, Nebraska, em 3 de abril de 1924. Começou a chamar atenção atuando na peça de Tenessee Williams, Um Bonde Chamado Desejo. A peça foi filmada, mas acabou tendo seu lançamento atrasado, o que levou que figurasse como seu primeiro trabalho em cinema o filme, de 1950, Espíritos Indômitos. Esta produção contava a história de um veterano da Segunda Guerra Mundial ferido em combate angustiado por estar preso a uma cadeira de rodas.

Em Um Bonde Chamado Desejo - cujo filme recebeu no Brasil o nome de Uma Rua Chamada Pecado - dirigido por Elia Kazan e com a presença da atriz Vivien Leigh no papel de Blanche DuBois, Brando fazia o papel de Stanley Kowalski, um rude trabalhador de chão de fábrica que gostava de jogar cartas e boliche. Tornou-se um símbolo sexual ao aparecer em fotos como o personagem, sempre de camiseta que lhe realçava seus músculos. A Academia de Artes e Ciências Cinematográficas de Los Angeles premiou o filme nas categorias de melhor atriz, Vivien Leigh, melhor ator coajuvante, Karl Malden e melhor atriz coadjuvante para Kim Hunter. Brando também foi indicado ao Oscar, mas mesmo sendo o franco favorito, não ganhou. Brando seria indicado mais três vezes em cada ano posterior em “Viva Zapata!" em 1952, Júlio Cesar, 1953, no papel de Marco Antônio, e Sindicato de Ladrões em 1954.

No ano de 1953, Brando se tornaria um ídolo dos jovens da época ao interpretar Johnny Stabler em O Selvagem. No filme ele era um delinquente, líder de uma gangue de motoqueiros, vestido de jaqueta de couro e dirigindo uma motocicleta 1950 Triumph Thunderbird. O filme marcaria toda uma geração de artistas, desde James a Elvis Presley, os quais adoravam o estilo rebelde mostrado no filme.

Ganharia o primeiro Oscar com o filme Sindicato de Ladrões/Há Lodo no Cais, dirigido por Elia Kazan. Nos anos 1960 faria alguns filmes polêmicos, como Caçada Humana, no qual é a vítima em uma longa cena de espancamento. E Queimada!, seu personagem favorito, usado para mostrar uma visão histórica do que teria sido a política de colonização européia na América, com os portugueses e espanhóis agindo com violência e ganância, enquanto os ingleses buscavam tomar para si as colônias, atuando nos bastidores com mentiras e falso apoio aos nativos colonizados. Brando se mostra um grande ativista nos anos 1960, tendo participado de manifestações públicas em favor dos Direitos Civis e dos Direitos dos Indígenas, campanha que o levou a recusar um Oscar no início da década seguinte.

Mas seu estilo como ator alcançaria o auge do sucesso e da fama nos anos 1970, com O Poderoso Chefão/O Padrinho e ùltimo Tango em Paris, entre outros, tendo sido indicado para mais dois “oscars” pela Academia de Hollywood. Venceu pela sua interpretação de Don Vito, que rendeu ao personagem o título de "maior vilão da história do cinema".

Don Vito Corleone, O Poderoso Chefão

Quando venceu em 1973 o Oscar pelo fime O Padrinho/O Poderoso Chefão, Marlon Brando enviou uma índia (que mais tarde se descobriu ser uma atriz) fazer um discurso em seu nome, protestando contra a forma como os EUA e Hollywood discriminavam os nativos americanos.

Em 1979, fez Apocalypse Now, do gênero suspense de guerra, realizado por Francis Ford Coppola, baseado no livro Heart of Darkness, do polonês Joseph Conrad.

Nos anos 1980 interrompe sua carreira e se retira para a ilha de Tetiaroa, na Polinésia Francesa, da qual era o dono desde 1966. Ganha peso e é fotografado várias vezes usando um largo sarongue polinésio. Com problemas financeiros, retomou sua carreira cinematográfica em 1989. Chegou a fazer uma paródia de si mesmo no filme de 1990, Um Novato na Máfia, no qual praticamente repetiu a caracterização de Don Vito Corleone. Passa a ter sérios problemas pessoais, com o julgamento do filho Christian por assassinato do namorado da irmã Cheyenne e que, deprimida, se suicidou poucos anos depois (1995).

Dirigiu apenas um filme: o western Cinco Anos Depois (Título original "One-Eye-Jacks”), substituindo o diretor Stanley Kubrick no início das filmagens. Obteve alguns elogios da crítica, demonstrando estilo lento e inovador no gênero: filmou o mar, cenário incomum dos western. Também no duelo final com seu amigo na vida real Karl Malden, usa ângulos e coreografia fora do normal. No western que fez com Jack Nicholson, (Duelo de Gigantes, 1876), ele faz um pistoleiro bem estranho, dando continuidade à sua visão e a do diretor Arthur Pen, inovadora mas com tendências acentuadas para parodiar o gênero.

Uma biografia do ator, chamada Brando in the Twilight, afirma que ele somava dívidas que chegavam a US$ 20 milhões. Declaradamente avesso à fama, Brando morou durante quase 50 anos na famosa Mulholland Drive, numa casa que ele chamava de "Frangipani, a mansão do céu".

O jornal Sunday Times teve acesso a diversos processos judiciais envolvendo o nome de Brando, no qual ele declarou que atualmente morava em um bangalô de 180 metros quadrados, com uma cama e uma garagem transformada em sala de estar.

Para piorar sua situação financeira, sua ex-mulher Cristina Ruíz ameaçava reabrir um processo litigioso de US$ 100 milhões. Ela afirmava que Brando não cumpriu um acordo de pagar US$ 10 mil mensalmente como pensão para os três filhos do casal, incluindo Timothy que tem 10 anos e sofre com o autismo.

Marlon Brando foi um dos maiores nomes do cinema mundial e chegou a ser conhecido como "o maior ator de todos os tempos".

Uma insufiência pulmonar aguda foi a causa da morte. Chegou-se a afirmar que não seria divulgada a causa. Marlon Brando foi um homem muito privado.

Fontes: Sunday Times – IMDB - Wikipedia

As Troianas

2012-02-04T07:54:00.000-08:00

Irene Papas

Atriz grega de nome verdadeiro Irene Lelekou, nasceu a 3 de setembro de 1926, em Chilimodion, Corinto. Aos 12 anos, entrou na escola de drama e, mais tarde, começou a sua carreira como cantora e dançarina em teatro de variedades e como vocalista na rádio. Fez depois diversas peças de teatro desde os clássicos da tragédia grega, onde interpretou Medeia e Electra, até ao teatro grego mais popular e contemporâneo dos anos 50. Em 1948, estreou-se no cinema num filme intitulado Hamenoi Ageloi, fazendo depois mais alguns filmes gregos.

Em 1956, participou no western inglês Tribute to a Bad Man (Honra a Um Homem Mau), de Robert Wise, ao lado de James Cagney. Em 1961, entrou no filme de guerra Guns of Navarone (Os Canhões de Navarone), realizado por J. Lee Thompson, com Gregory Peck, David Niven e Anthony Quinn. Em 1962, protagonizou o drama épico Elektra, de Michael Cacoyannis, baseado na peça de Eurípides, trabalhando novamente com este realizador em 1964 no clássico Alexis Zorbas (Zorba, o Grego), onde interpretou o papel de viúva, contracenando com Anthony Quinn.

Em 1967, fez a sua estreia na Broadway com o musical That Summer, That Fall. No ano seguinte, participou no thriller The Brotherhood (Dois Irmãos Sicilianos), com Kirk Douglas e, no mesmo ano, fez de Penélope na mini-série L'Odissea, sobre as aventuras de Ulisses.

No ano seguinte, fez de mulher de Yves Montand no thriller de Costa-Gavras Z, e de Rainha Catarina em Anne of the Thousand Days. Voltou a trabalhar com Michael Cacoyannis em 1971 numa adaptação da peça de Eurípides, The Trojan Women, no papel de Helena, cujo desempenho lhe valeu o prémio de Melhor Atriz do National Board of Review. Em 1977, participou em Iphigenia, também um clássico de Eurípides, onde interpretou o papel de Clitemnestra.
Irene Papas interpretou também algumas figuras bíblicas que ficaram na história como a de Zipporah na mini-série Moses the Lawgiver (1975), e na série realizada por Peter Hall Jacob (A Bíblia, 1994), onde fez de Rebeca. Em 1995, entrou na série The Odyssey (A Odisseia), um épico baseado no poema de Homero onde Papas tem o papel de Anticlea e contracena com Armand Assante, Greta Scacchi e Isabella Rossellini, entre outros. Em 1996, participou na comédia dramática de Manoel de Oliveira Party, com quem voltou a trabalhar em Inquietude (1998) e em Um Filme Falado (2003). Em 2001, participou em Captain Corelli's Mandolin (O Capitão Corelli), de John Madden, contracenando com Nicholas Cage, Penélope Cruz, John Hurt e Christian Bale.

Amiga íntima de Khatarine Hepburn, com quem trabalhou em “As Troianas”, recebeu o seguinte elogio da veterana atriz: “ela é uma das melhores atrizes da história do cinema”.

Olha, acho até que valeu por um Oscar!(Netto-Cinemascope)

Fonte: Compilado de sites da atriz na internet.

Salário do Medo

2012-02-04T07:25:00.000-08:00

Ator e cantor italiano nascido em Monsummano Alto, Itália, e radicado na França, consagrado em 1953 com o filme 'Salário do Medo', com o qual recebeu a Palma de Ouro em Cannes. Destacou-se também ao atuar em 'Z', dirigido por Costa Gravas e detentor do Oscar de melhor filme estrangeiro em 1970. Um dos maiores chansoniers franceses, considerado numa pesquisa da década de 80 como a personalidade artística mais amada por seus exigentes conterrâneos. Com os pais perseguidos pelo fascismo na Itália, chegou a Marselha em companhia da família com dois anos de idade. Foi garçom, barbeiro e operário metalúrgico. Em 1938, venceu um concurso para cantar em bares, tendo estreado como cantor profissional em 1944 no Moulin Rouge e ao lado de Edith Piaf.

Devido ao seu nome real, Ivo Livi, Montand teve problemas com os nazistas, na suposição de que ele trocara uma letra do nome, passando de Levi a Livi. Sua primeira canção de sucesso foi Les Feuilles Mortes, em 1946. Casou-se em 1949 com Simone Signoret e, numa curta carreira em Hollywood, filmou 'Adorável Pecadora' (Let's Make Love) em 1959, dirigido por George Cukor e ao lado de Marilyn Monroe, com quem teve um rumoroso caso. Jamais, entretanto, separou-se da esposa, que veio a falecer em 1985. Casou-se pouco depois com sua jovem secretária, Carole Amiel, com quem teve um filho em 1988. Em 1969, deixou de cantar em público, fazendo uma volta tão inesperada quanto espetacular em 1981, quando 170.000 ingressos para seus recitais no Teatro Olympia foram vendidos antecipadamente.

Yves ao lado de Marilyn Monroe

Montand visitou o Brasil em 1950 e 1982, na última vez para a entrega do prêmio Molière, quando cantou suas famosas canções, conversou com o público e saiu aplaudidíssimo, debaixo de insistentes pedidos de bis. Em grande entrevista coletiva, fez a seguinte declaração a respeito de seu engajamento político: Vocês me pedem para dizer se sou capitalista, socialista ou comunista. Ora, é impossível responder ou analisar uma posição política e existencial em três ou quatro minutos. São questões complexas que merecem ser tratadas com a maior profundidade... Não acho que o artista tenha obrigação de ser político. Eu o sou não por ser artista, mas por pagar impostos e conhecer meus direitos. Seu último trabalho nas telas foi em 'A Ilha dos Paquidermes' (IP 5 - L'Ile aux Pachydermes) quando morreu no final das filmagens. Montand faleceu aos 70 anos, em 9 de novembro de 1991.

Conta o realizador Jean-Jacques Beineix com quem trabalhava no no filme Island of Pachiderms, que durante todo o dia filmou. Depois despediu-se dele, arrumou as suas coisas no set. E nessa noite morreu.

O Chef do "Western Spaghetti"

2012-01-24T01:44:00.000-08:00

Sergio Leoni (Diretor de cinema italiano ) 1929– 1989

Por Rodrigo Cunha

Logo após finalizar sua Trilogia dos Dólares, formada por Por um Punhado de Dólares, Por uns Dólares a Mais e Três Homens em Conflito, Sergio Leone resgatara todo o respeito e a certeza de que os faroestes poderiam ser bons filmes, não apenas entretenimento barato. Agora almejava novos horizontes. Em sua mente já se desenhava um dos maiores clássicos policiais de todos os tempos, mas a Paramount só bancaria seu sonhado Era Uma Vez na América caso ele fizesse apenas mais um faroeste. Sergio estava em um beco sem saída, uma vez que, na sua cabeça, já não haviam mais histórias nesse gênero para serem contadas. Mas Leone não se deixou levar pelo olhar ambicioso sobre os lucros que esse novo filme poderia gerar. Se devia ser feito, que fosse algo bom. Ele se juntou então com Sergio Donati, Bernardo Bertolucci e Dario Argento para escrever a história e o roteiro desse seu novo trabalho. Assim nasceu a obra-prima Era uma vez no Oeste.

Era uma vez no Oeste é um filme muito mais plástico que os outros de Leone, um drama ambientado no Velho-Oeste. Aqui acontece uma história muito mais profunda, sem humor e com violência menos explícita que em seus outros filmes, mas essas não são necessariamente características ruins. São apenas diferentes. Até mesmo o jeitão do “Gaita” não combina com Clint Eastwood. Ele não é irônico, canastrão e nem brinca com a cara das pessoas. Ele é apenas um tremendo grosso que impõe a sua força quando necessário, calado e de atitude. Em Charles Bronson o diretor encontrou a pessoa certa para combinar boa atuação com o perfil que o personagem exigia.

O Filme Por um punhado de dólares, com Clint Eastwood, foi baseado no filme Yojimbo de Akira Kurosawa, comédia satírica exuberante e impetuosa sobre a violência.

Uma Pistola Para Ringo...

2012-01-23T13:15:00.000-08:00

Giuliano Gemma nasceu em Roma em 2 de setembro de 1938. Passou boa parte da sua infância e adolescência numa cidade do interior da Itália, chamada Réggio Emília.

Aos 12 anos, enquanto corria com seus amigos pelos campos da área rural, encontrou uma granada aparentemente desativada. Ignorando o perigo da mesma, começou a brincar. Em questão de minutos, a granada explodiu em suas mãos. Do acidente, o ator leva até hoje uma pequena cicatriz no lado esquerdo do rosto.

Nessa mesma época, começou a freqüentar a academia de ginástica, onde se dedicou exclusivamente à ginástica rítmica, acrobacia, boxe e natação. Seu bom desenvolvimento físico o levou para o circo, onde trabalhou como trapezista.

Além do esporte, sua segunda paixão era o cinema, e tinha como ídolo, Burt Lancaster. Sem dúvida, foi o excelente porte atlético que lhe possibilitou aos 20 anos, ingressar na carreira cinematográfica, atuando em pequenas pontas de filmes épicos, geralmente estrelados por Steve Reeves.

Em "Ben-Hur" (1959) apareceu interpretando um soldado romano. Era 1961, quando ganhou seu primeiro papel de destaque numa aventura épica intitulada: "Os Titãs".

Já em 1962 sob direção de Luchino Visconti, trabalhou em "O Leopardo", contracenando com Burt Lancaster, Cláudia Cardinale e Alain Delon.

Logo foi despertando a atenção do público ao aparecer em dois filmes capa-espada:

"Angélica a marquesa dos anjos" e "Angélica e o rei" (1964-65).

Mas, foi graças ao produtor Sérgio Leone, que ao produzir o faroeste"Por um punhado de dólares" (1964), o cinema italiano despertou para os filmes de bang-bang, cujo sucesso duraria por quinze longos anos.

"Uma pistola para Ringo" (1965) foi o filme que lançou Giuliano Gemma como cowboy do faroeste. Nesse ano, o ator conheceu Natália Roberti , com quem se casou e teve duas filhas: Giuliana e Vera. O csamento durou até 1995, quando sua esposa veio a falecer. Os filmes de Ringoconquistaram a todos e o ponto máximo do sucesso foi "O Dólar Furado". Excelente western com uma bonita trilha sonora composta por Ênio Morricone.

Nos cinemas do interior o público aguardava ansioso pelas sessões de finais de semana, para ver o Ringo se defrontar contra o vilão mexicano, interpretado por Fernando Sancho. Pois se o filme tinha Giuliano Gemma, o sucesso era garantido.

Enquanto os faroestes italianos eram rodados na cidade espanhola de Almería, os produtores se preocupavam com os nomes dos seus atores. Supunham que o público acostumado ao western norte-americano, não receberia bem os novos mocinhos.

Em alguns filmes, em vez de Giuliano Gemma, o nome que apareceu foi Montgomery Wood. Porém, o sucesso foi tão grande, que rapidinho passaram a atuar com seus nomes verdadeiros. Dos faroestes, Giuliano Gemma passou a atuar em filmes policiais, guerra e comédias tais como: "África Express" e "Safari Express" (1974-76) ao lado de Úrsula Andress.

Um dos últimos westerns em que atuou, foi "Tex e o senhor do abismo" (1985).

Aos 74 anos, continua atuando no cinema, na televisão italiana e tem se dedicado muito a escultura em bronze.

No Japão, onde também é muito conhecido, foi contratado pela Suzuki, para o lança-mento de dois modelos de motocicletas: Gemma 50 e Gemma 125. Atualmente está casado com a jornalista Babi Richerme e vive nos arredores de Roma.

Um ator carismático, cujo talento o tornou inesquecível.

Fontes:
Trechos retirados do livro em espanhol "Giuliano Gemma, el factor romano" (Carlos Aguilar, 2003), enviados ao Portal TEXBR pelo fã José Francisco de Souza.

Tem mais Giuliano Gemma AQUI

Três Homens em Conflito...

2012-01-23T12:46:00.000-08:00

ELI WALLACH

Judeu do Brooklyn, de pais poloneses, Eli nasceu em 7 de dezembro de 1915. Foi criado num bairro que era principalmente italiano, formou-se pela Universidade de Austin, Texas, mas fez seu treinamento no Actor´s Studio e na Neighboor Playhouse. Estreou na Broadway em 1945 e ganhou seu Tony em 1951 por A RosaTatuada, de Tennessee Williams. Desde a estreia no cinema em 1956, fez clássicos como Sete Homens e um Destino, Os Desajustados, com Marilyn Monroe e o faroeste spaghetti Três Homens em Conflito, de Sergio Leone, com Clint Eastwood. Fez muita televisão e teve cinco indicações ao Emmy, inclusive este ano por sua participação na série Nurse Jackie. Tem 162 créditos como ator na TV e no cinema. Por causa de um derrame é cego do olho esquerdo.

Fontes: IMDB - Sites do ator, e de “comentaristas” como o Adriano e a Patrícia neste CinemaScope.

Adriano Miranda - Eli Wallach é um grande ator! Ao lado de Marilyn Monroe e Clark Gable em "Os Desajustados" (The Misfits/ 1961), de John Huston, esteve sensacional. Sem contar a parceria com Clint Eastwood e Lee Van Cleef em "Três Homens em Conflito" (The Good, the Bad and the Ugly, 1966) de Sergio Leone. Outro grande momento é "L´Ultima Chance" (1973), de Maurizio Lucidi, também conhecido como " Stateline Motel", onde atuou ao lado de Fabio Testi e Ursula Andress. A sequência final eletrizante, com ele e Andress, e o acerto de contas com Fabio Testi, coloca esse filme entre os melhores do "poliziotto", derivação do cinema comercial italiano (menos violento e erótico que o "giallo") ligada a uma releitura dos filmes de gangster e máfia da velha Hollywood.

Patricia - Reconheci como sendo o roteirista velhinho de "O amor não tira férias". Apesar desse título não muito feliz em português, esse filme é bem mais que uma simples comédia romântica, graças exatamente às cenas do tal velhinho com a maravilhosa Kate Winslet. Singela homenagem ao cinema de antigamente.

Aliás, se deletassem toda a parte da Cameron Diaz/Jude Law, romance meio forçado e sem graça, que só ganha um pouco de graça quando aparecem as meninas inglesas fofas, esse filme seria ainda mais interessante.

O Mau...Olhos de Anjo

2012-01-23T12:31:00.000-08:00

LEE VAN CLEEF - Ator norte-americano de cinema, consagrado por sua participação na obra-prima do western "Matar ou Morrer", interpretando um vilão e ao lado de Gary Cooper, Oscar de melhor ator em 1952. Destacou-se também em faroestes italianos, muitos dirigidos por Sergio Leone, como "Por Alguns Dólares a Mais" e "O Dia da Lei". No filme "Sábata, o Homem que Veio para Matar", Cleef assume o papel-título, que anteriormente pertencia a Yul Brynner.

Nos faroestes nunca houve figura mais ambígua e misteriosa que o grande Lee Van Cleef. Numa carreira com mais de oitenta títulos, nunca se soube ao certo qual papel ele fez melhor: o bom ou o mau. Na verdade, esta simples curiosidade não chegou a atrapalhar Lee Van Cleef nas telas - sua capacidade para atuar fez dele um ator completo. Assim, não fazia diferença se ele personificava um anjo ou o próprio diabo encarnado; ambas as interpretações seriam inesquecíveis.

Um exemplo: no clássico O Bom, o mau e o feio, Cleef, que na história recebe o nome de Olhos de Anjo (Angel Eyes), é o que menos aparece durante os 213 minutos. No entanto, só a cena em que ele é apresentado já foi o bastante, pois é, de longe, uma das melhores do filme. Antes, Cleef já tinha arrasado sem dizer uma palavra no clássico farwest Matar ou Morrer (High noon), onde ele era o pistoleiro Jack Colby.

Lee Van Cleef serviu na Marinha norte-americana durante a Segunda Guerra Mundial antes de se tornar ator. Em toda a sua carreira fez cerca de 300 filmes entre produções para o cinema e para a TV. Na década de 70 era considerado um dos dez atores mais conhecidos na Europa. Teve problemas com o alcoolismo que o afastaram das telas por alguns anos, mas superou-os na época de ouro dos westerns spaghettis.

O ator faleceu aos 64 anos, em 16 de dezembro de 1989.

Fontes: http://moviefordummies.wordpress.com/tag/lee-van-cleef/ Site Memorial da Fama

JACK ELAM – O bandido do olhar atravessado...

2012-01-23T12:12:00.000-08:00

por Darci Fonseca

Jack Elam nunca foi capa de revistas de cinema e mesmo assim seu rosto era muito conhecido, um tipo de fisionomia que ninguém esquece, especialmente pela força de suas caracterizações que fizeram dele um ator muito especial e até mesmo famoso.

A data de nascimento de Jack Elam é controversa e há fontes que indicam 1916, 1918 e 1920. Seu nome verdadeiro era William Scott Elam e ele nasceu em Miami num dia 13 de novembro, tendo estudado no Santa Monica Junior College, na Califórnia. De lá saiu formado em Contabilidade, sendo contratado para exercer a função de auditor contábil na produtora de Samuel Goldwyn e depois na produtora de Hopalong Cassidy. Conseguindo fazer amigos no mundo cinematográfico, Elam esporadicamente era convidado para participar de filmes, isto apesar do defeito em um dos olhos. Aos 12 anos o menino William se envolveu numa briga com outro garoto, sendo ferido no olho com um lápis, tendo ficado definitivamente vesgo e por essa razão jamais sonhou em se tornar ator. Porém casado com Jean Louis e com dois filhos para sustentar, Jack se esqueceu do seu olhar vesgo e para aumentar a renda familiar acabou aceitando os convites para ser ator. A primeira vez foi em 1944, num short-western (20 minutos), intitulado “Trailin’ West” em que Elam interpretou um assassino. Outra oportunidade surgiu em 1947 no western B “Mistery Range”, no qual ele já utilizou o nome artístico de Jack Elam. Em 1949 interpretou novamente um bandido no policial “Wild Weed” e a partir daí abandonou de vez a rotina da vida burocrática do escritório, nunca mais deixando de fazer filmes, a maior parte deles faroestes e na primeira parte de sua carreira interpretando foras-da-lei. Magérrimo, arqueado, barba sempre por fazer e o olho esquerdo fortemente desviado, Jack Elam era, convenhamos, uma figura nada bonita e nada simpática num cinema repleto de rostos bonitinhos. Afinal, alguém tinha que ser bandido...

UMA ODE A JACK ELAM

A década de 60 reservava em seu final uma agradabilíssima surpresa para Jack Elam. Ao longo de 20 anos de carreira ele havia enriquecido muitos faroestes com sua presença, invariavelmente como membro das mais temíveis quadrilhas que o cinema já conseguiu reunir. Com a indefectível deselegância, o esgar cínico e ameaçador e o sinistro olhar estrábico, Jack Elam vinha sendo um dos mais perfeitos contrapontos à pose certinha dos heróis. Não apenas contraponto, mas vítima constante dos mocinhos, para quem os filmes eram concebidos. Os westerns eram muitos, mas os momentos de Jack Elam, como já foi dito, nem tanto, o que não impediu Elam de roubar bancos, gados e principalmente cenas. Como santo de casa não faz milagres, foi necessário que Sergio Leone criasse uma sequência inteiramente dedicada a Jack Elam e isso ocorreu em “Era Uma Vez no Oeste”, o monumental painel do diretor italiano sobre o Oeste norte-americano e que acabou sendo uma justa e bonita homenagem ao ator norte-americano. Durante longos minutos no início do filme o rosto amedrontador de Jack Elam toma conta da tela em close-up. Mas ele não está sozinho pois uma mosca resolve atormentá-lo e Jack captura a mosca dentro do cano de seu revólver numa poética cena, magnífica ode ao ator num dos mais belos westerns de todos os tempos.

Fonte: Cinewesternmania

Western "Spaghetti" - Django!

2012-01-23T11:07:00.000-08:00

Franco Spartanero, ator italiano mais conhecido como Franco Nero (23 de novembro de 1941), San Prospero, perto de Parma, Itália.

Nasceu na cidade de San Prospero e cresceu em Bedonia e Milão. Ele estudou por um curto período na Faculdade de Economia e Comércio (Facoltà di Economia e Commercio) antes de abandoná-la para ir estudar no Piccolo Teatro di Milano.

Seu primeiro papel cinematográfico foi uma pequena participação no filme La Ragazza in Prestito, de 1964. Seu primeiro papel de destaque foi em Django, de 1966, um clássico do western de produção ítalo-espanhola. Ainda neste ano ele participou em mais oito filmes, como Tempo de Massacro (no Brasil, "Tempo de Massacre"), e Texas, addio ("Adeus, Texas").

Em 1967 ele apareceu em seu primeiro filme em inglês, Camelot, no papel de Lancelot. Seu pouco jeito com o inglês limitava sua participação em papéis como este, apesar de ele ter aparecido em filmes como The Virgin and the Gipsy ("A virgem e o cigano") de 1970, Force 10 From Navarone("Comando 10 de Navarone") de 1978, Enter the Ninja ("Ninja - A Máquina Assassina") de 1981, e Die Hard 2 ("Duro de Matar - 2") de 1990. Apesar de uma atuação freqüentemente estereotipada, em filmes como Los Amigos de 1972, ou Keoma (1976), ele também fez atuações notáveis, em filmes como The Bible... in the beginning ("A Bíblia") de 1966 (onde interpretou Abel, filho de Noé), ou o tenente homossexual do filme “Querelle”, de 1982. Franco Nero já atuou em quase 150 filmes e também escreveu, produziu e atuou em Jonathan degli Orsi ("Jonathan e os Ursos") de 1993.

Durante as filmagens de Camelot ele paquerou e casou com a atriz Vanessa Redgrave, com a qual teve um filho em 1969 - Carlo Gabriel Nero - autor e diretor de cinema.

Em Busca de um Homem

2012-01-15T04:18:00.000-08:00

Êxtase cor-de-rosa

Ela passou a perna em todas a pinups que ansiavam ser a nova Marilyn Monroe. Não que Jayne Mansfield tenha conseguido tal façanha, mas é muito mais festejada pela tentativa do que qualquer outra. Sempre simpática, carregando a prole de quatro filhos pra lá e pra cá, derrotou nomes como Mamie Von Doren ou a inglesa Diana Dors.

O diferencial de Jayne é que jamais imitou Monroe, e sim a caricaturava. Assumiu até em entrevistas e aparições públicas a postura de loira imbecil total, cheia de gemidinhos a cada frase. Era uma comediante, não uma imitadora, o que ajudou na conquista até dos fãs da principal estrela dos 50.

Marilyn Monroe e ela ficaram cara a cara uma única vez na vida. Em 56, Monroe esteve na platéia da peça “Will Success Spoil Rock Hunter?”, comédia protagonizada por Mansfield interpretando Rita Marlowe, atriz de Hollywood loira e burra, lutando para ser levada a sério. Não deve ter achado muita graça nas semelhanças com sua vida, embora evitasse alimentar polêmicas. Na biografia assinada por Donald Spoto consta apenas que telefonou ao teatrólogo George Axelrod, também autor de seus filmes Nunca Fui Santa (Bus Stop, 1956) e O Pecado Mora ao Lado (The Seven Year Itch, 1955), e comunicou incisivamente ter assistido ao espetáculo. Só!

A filha de Jayne com um Mr. Univers, Mickey Hargitay, Mariska Hargitay, atriz vencedora do Globo de Ouro e do Emmy Award pelo papel da detetive Olivia Benson na série policial Law & Order (Lei & Ordem), exibida no Brasil, também, na TV aberta, CNT.

Em seu livro de memórias, Hollywood Nua e Crua, a correspondente incluiu um capítulo chamado “Jayne, a Doce Mamãe”, tamanha dedicação e zelo com os filhos, contrastando com a imagem de sedutora implacável. Há quem aponte (Dulce é uma delas) que, embora Mariska Hargitay, atriz atualmente no seriado Lei e Ordem, carregue o sobrenome do segundo marido de sua mãe, seria fruto do romance com o paulista Nelson Sardelli.

Como o show não podia parar, passou a fazer shows em casas noturnas por todo o EUA. Sempre com muita pressa pra cumprir a agenda, em 29 de junho de 1967, seu carro em alta velocidade entrou na traseira de um caminhão.

Na frente iam Jayne (com apenas 34 anos) e seu atual namorado. Nos bancos de trás, três dos seus filhos dormindo. As crianças, como por milagre, sofreram leves escoriações, mas todos os outros passageiros foram mortos.

Sophia Loren e Jayne Mansfield - Foto clássica do ano de 1957. Sinceramente, o olhar da bonita atriz italiana rouba a cena dos "melons" quase servidos na sobremesa da loura americana. (Netto)

Filmes com Jayne Mansfield: Em Busca de um Homem (1956), Honra de Ladrão (1957), O Beijo da Despedida (1957), Ela Era Irresistível (1960), Diário de um Homem Casado (1967)

Mais, da Marilyn Monroe Cover, AQUI

A Mulher Mais Bonita do Mundo

2012-01-08T10:08:00.000-08:00

Lollo como "Rainha de Sabá"

Gina Lollobrigida nasceu em Subiaco, Lazio, e foi a contribuição italiana para o conceito de sex-symbol de Hollywood. Após tornar-se conhecida com seu primeiro filme, Taxi di Notte (1947), contracenando com Beniamino Gigli, alcançou a fama nos anos 50 não só na Itália mas também nos Estados Unidos, onde viveu suas personagens mais famosas como a cigana Esmeralda em O Corcunda de Notre-Dame (1956, com Anthony Quinn). Teve outros filmes de destaque como As Aventuras de Fanfan (1951) e Pão, Amor e Fantasia (1953). Lollobrigida seguiu uma carreira paralela como fotógrafa, conseguindo grandes vendas de seu livro Italia Mia (1974), seguido de um volume sobre as Filipinas. "Gina Nazionale", como é conhecida em seu país, dedicou-se também à escultura.

Atriz e fotógrafa italiana

Após tornar-se conhecida com seu primeiro filme, Taxi di Notte (1947), contracenando com Beniamino Gigli, alcançou a fama nos anos 50 não só na Itália mas também nos Estados Unidos, onde viveu suas personagens mais famosas como a cigana Esmeralda em O Corcunda de Notre-Dame (1956, com Anthony Quinn). Teve outros filmes de destaque como As Aventuras de Fanfan (1951) e Pão, Amor e Fantasia (1953). Lollobrigida seguiu uma carreira paralela como fotógrafa, conseguindo grandes vendas de seu livro Italia Mia (1974), seguido de um volume sobre as Filipinas. “Gina Nazionale”, como é conhecida em seu país, dedicou-se também à escultura.

Ficou conhecida como intérprete de papéis sensuais, o que contrivui para ser reconhecida como “A mulher mais bela do mundo”, que incorporou após interpretar a cantora lírica Lina Cavalieri no filme “La donna più bella del mondo”, em 1955. Atuou ao lado de grandes atores, como Humphrey Bogart, Jennifer Jones, Vittorio Gassman, Anthony Quinn, Rock Hudson, e diretores como John Huston.

Além de atriz, dedicou-se a fotografia, seguindo uma carreira paralela ao cinema como fotógrafa. O livro de fotografia de Lollobrigida Italia Mia de 1974, obteve sucesso de crítica e de vendas. Outra atividade da versátil artistas foi a escultura, na qual obteve também sucesso.

Recebeu o Golden Globe em 1961.

Lollobrigida, aos 80 anos, confessou que teve talento e sorte em sua carreira, mas nunca teve um amor. A explicação, segundo a artista italiana, é que os homens têm medo de mulheres independentes.

Em entrevista à publicação semanal alemã Bunte, Lollo afirma que a sorte lhe deu talento e sucesso profissional, "na vida privada, no entanto, nunca tive um grande amor".

"Quem aceitaria de bom grado reduzir-se a marido de Gina Lollobrigida?", perguntou a atriz italiana.
A artista, que completou 85 anos no último dia 4 de julho de 2011, continua anunciando novos projetos. "Estou preparando uma mostra das minhas esculturas, em breve sairá um novo volume com as minhas fotografias e depois talvez também minha autobiografia", afirmou.

"Quero escrever as memórias pelo menos para tirar o veneno que tenho dentro, das muitas pessoas que se aproveitaram de mim", acrescentou Lollobrigida.

Salomão e a Rainha de Sabá

O povo de Israel prospera e fortalece tanto que os egípcios, seus inimigos, resolvem mandar ao local a rainha de Sabá (Gina Lollobrigida), para descobrir os pontos fracos de Salomão e assim poder derrotá-lo.

Neste glorioso épico bíblico escrito por Anthony Veiller, Paul Dudley e George Bruce, o diretor King Vidor (Guerra e Paz) explora, cinematograficamente, os males do paganismo e da adoração da carne, criando "um filme visualmente atraente que...encantará milhões" (Variety).
Filmado na Espanha, o filme é uma crônica que explora a vida de seus históricos personagens. Yul Brynner é o forte e idealista Salomão. E a sensual Gina Lollobrigida está magnífica como a atranete e sedutora Rainha de Sabaá. Um confronto entre o Rei Salomão e seu irmão é complicado ainda mais quando a Rainha seduz Salomão na tentativa de destruir Israel. O filme é um depoimento espetacular e humilde - belo de se assistir e que vale a pena ser lembrado

Fontes: Agência ANSA – IMDB – Site da Atriz http://www.ginalollobrigida.com/artista.asp

O Rei e Eu...

2012-01-08T09:55:00.000-08:00

Existe apenas um Yul Brynner. Nenhum outro ator tinha sua aparência, seu leque de talentos, a sua energia - e sua capacidade de atrair outros para o feitiço de seu charme. Um sofisticado de origem deliberadamente misteriosa, Brynner sentia-se em casa em vários idiomas e ambientes sociais.

Nascido Yuliy Borisovich Brynner (ou Taidge Khan?), em Vladivostok (Rússia), no dia 11 de julho de 1920. Sua mãe Marusya Blagоvidova era filha de um médico russo e seu pai, Boris Brynner, foi um engenheiro e inventor.

Depois que seu pai abandonou a família, sua mãe tomou Yul e sua irmã, Vera Bryner foram para a China, onde frequentou uma escola da Associação Cristã de Moços. Eles se mudaram novamente em 1934, desta vez para Paris.

Durante a Segunda Guerra Mundial, Brynner trabalhou como locutor de rádio de língua francesa e comentarista de propaganda para a França ocupada pelos nazistas.

Acróbata de um circo cigano aos 17 anos, uma queda no trapézio levou-o a abandonar a profissão. Estudou filosofia na Sorbonne e, em 1941, foi para os Estados Unidos.

Ele causou um impacto imediato quando do lançamento de sua carreira cinematográfica em 1956, aparecendo não só na versão cinematográfica de "O Rei e Eu", e em seguida, também em papéis principais de coadjuvantes em "Os Dez Mandamentos" com Charlton Heston e “Anastasia”, com Ingrid Bergman.

Sua versão cinematográfica, "O Rei e Eu", com Deborah Kerr e Rita Moreno, valeu-lhe o Oscar de melhor ator em 1956.

Mas foi em “O Rei e Eu” que Yull Brynner encontrou o seu papel perfeito. Estava inaugurada sua logomarca da calvice, exigência para o papel do rei do Sião na vitoriosa carreira da peça da Broadway. O ator gostou tanto que prosseguiu careca em toda a carreira. O sucesso pela conquista do Oscar e que poderia ter se tornado uma armadilha para uma estrela menor, se tornou a glória no curso de sua carreira, desde o auge de sua fama, até a sua morte prematura.

Mais tarde, ele apareceu em filmes como no épico bíblico “Salomão e a Rainha de Sabá” (1959), no papel de “Salomão”, "Sete Homens e Um Destino"(1960), “Taras Bulba” (1962), “Adiós Sabata”, “Pancho Vila” (1968), “Westworld "(1973).

Brynner co-estrelou com Marlon Brando em 'Morituri', Katharine Hepburn em "A Louca de Chaillot” e William Shatner em uma versão cinematográfica de "Os Irmãos Karamazov". Ele estrelou com Barbara Bouchet em “A Fúria do Destino” (1976); na sequência de Westworld, intitulado 'Futureworld ", com Peter Fonda e Blythe Danner, em 1976.

Em 1977, Brynner embarcou numa fase de revival com “O Rei e Eu ", onde foi muito criticado por conta de seu temperamento arrogante com exigências aparentemente insignificantes durante a turnê com sucesso de público.

Ele inaugurou uma segunda turnê, em 1985, mesmo sabendo que estava morrendo de câncer de pulmão, culpando depois com alarde, o cigarro. Dois meses depois, em 1985, Brynner, infelizmente morreu em um hospital de Nova York.

Deixou gravado um depoimento dramático jogando a culpa no cigarro pela sua morte por câncer no pulmão.

Morreu no mesmo dia de Orson Welles, de quem Yull Brynner era um ardoroso admirador.

Fonte: thebiographychannel.co.uk

O Beijo da Morte

2012-01-05T04:35:00.000-08:00

Nascido em Minnesota (EUA), Richard Weedt Widmark cresceu em Princeton, Illinois. Ao cursar a Faculdade de Lake Forest, teve oportunidade de atuar em peças acadêmicas. Depois de receber seu diploma de Bacharel em Artes, em 1936, continuou na Faculdade como Assistente de um de seus Diretores. Nesse período, empreendeu uma viagem à França, país que conheceu andando de bicicleta. Algum tempo depois, pediu demissão e se mudou para Nova York.

Por volta de 1938, estreou na Rádio em "Aunt Jenny's Real Life Stories", um programa que teve grande audiência. Conduziu, também, um programa de ótima repercussão, "Gangbusters", no qual narrava crimes e, ao final, descrevia os criminosos procurados pela polícia. Ainda na Rádio, trabalhou para o Grupo Mercury, de Orson Welles.

Em 1943, debutou na Broadway na peça "Kiss and Tell". Outras peças se seguiram, inclusive uma versão de "Jeanne d'Arc", onde contracenou com a já famosa estrela Ingrid Bergman. Na Rádio, recusou a oferta de uma casa com piscina para renovação de seu contrato, pois já sabia que seu destino era Hollywood. Em 1947, assinou finalmente um contrato de sete anos com a Twentieth Century-Fox, período em que atuou em 17 filmes para essa Produtora.

Sua estréia deu-se com o filme "O Beijo da Morte", de Henry Hathaway, num papel que lhe valeu uma indicação ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante, e o Globo de Ouro como Melhor Revelação Masculina. Nesse filme, ele fazia o papel de um vilão sádico que entrou para a história do cinema pela risada cínica que antecedia os atos de violência, como o de empurrar uma paralítica do alto de uma escada. Ainda como ator coadjuvante, Widmark participou, em 1948, dos filmes "Rua Sem Nome", "A Taverna Maldita" e "Céu Amarelo", este último ao lado de Gregory Peck. Em 1949, obteve seu primeiro papel principal no filme "Furacão da Vida", contracenando com Linda Darnell e Veronica Lake.

Quando seu contrato com a Twentieth Century-Fox expirou, negou-se a renová-lo, tornando-se um ator independente e podendo, assim, escolher os papéis que mais lhe conviessem. Como produtor, realizou três filmes: "Para Que os Outros Possam Viver", de 1957; "Caminhos Secretos", de 1961; e "O Caso Bedford", de 1965.

Para a televisão, só concordou em filmar pela primeira vez, em 1971, quando da realização de uma super-produção de US$ 2 milhões, "Vanished", filme em que o brasileiro Pery Ribeiro fez uma ponta. Em 1972 e 1973, participou da série "Madigan", produzida especialmente para ele e inspirada no filme do mesmo nome, do qual fora o principal protagonista em 1968. A partir daí, passou a alternar suas participações entre o cinema e a televisão, encerrando sua carreira com o filme "A Um Passo do Poder", de 1991, onde interpretou o Senador James Stiles.

Richard Widmark casou-se duas vezes: Seu primeiro casamento, com Jean Hazlewood, de quem teve uma filha, Anne Heath Widmark, deu-se em 05/04/1942 e terminou em março de 1997, ao ficar viúvo. Em 1999, casou-se com Susan Blanchard, com quem viveu até sua morte em 24 de março de 2008 em Connecticut (USA), de complcações após uma queda.

Operação França...

2012-01-04T13:18:00.000-08:00

Gene Hackman Eugene Allen "Gene" Hackman, nasceu em San Bernardino, Califórnia, filho de de Lydia e de Eugene Ezra Hackman. Ator norte-americano nascido em 30 de Janeiro de 1930, em San Bernardino, na Califórnia. Com 16 anos, saiu da casa dos seus pais para se alistar na Marinha, tendo anos mais tarde combatido na Guerra da Coreia. De regresso ao país natal, matriculou-se no curso de Jornalismo da Universidade de Illinois e trabalhou algum tempo na rádio, mas, no final da década de 50, resolveu enveredar pela carreira de ator, inscrevendo-se na Escola de Artes de Pasadena onde se tornou colega e amigo de Dustin Hoffman. Estreou no cinema interpretando o policial Mad Dog Coll (1961), a que se seguiram alguns trabalhos televisivos e na Broadway.

Integrou o elenco de Lilith (1964), protagonizado por Warren Beatty. Este reparou no seu talento e convidou-o para o papel de Buck Barrow em Bonnie and Clyde (1967). A sua interpretação rendeu-lhe a nomeação para o Oscar de Melhor Ator Coadjuvante e a saída do anonimato. Três anos depois, recebeu nova nomeação na mesma categoria pelo melodrama Meu Pai, Um Estranho (1970). A transição para a interpretação de papéis de protagonista foi feita por William Friedkin que lhe atribuiu o papel de Popeye Doyle, em Operação França (The French Connection) em 1971.

A sua implacável personagem de polícia do departamento de narcóticos valeu-lhe o Oscar para Melhor Ator. Nos anos 70 e 80, marcou presença em filmes bem sucedidos como A Conversação (1974), que Hackman diz ser o seu melhor trabalho, Uma Ponte Longe Demais (1977), Superman (1978), onde incorporou o vilão Lex Luthor, Reds (1981) e Sem Saída (1987). Após uma fase de menor fulgor, foi requisitado por Alan Parker para protagonizar Mississipi em Chamas (1988), onde deu corpo a Anderson, um agente do FBI que investiga o desaparecimento dum grupo de ativistas. Apesar da controvérsia lançada pelo filme que entre outros aspectos focou o tema do Ku Klux Klan, Hackman foi nomeado para o Oscar de Melhor Ator. Quatro anos depois, Clint Eastwood permitiu-lhe vencer o segundo Oscar da sua carreira, desta vez na categoria de Melhor Ator Coadjuvante por Os Imperdoáveis (1992). O seu impiedoso arbitrário Xerife Little Bill impressionou os membros da Academia que não hesitaram em atribuir-lhe o galardão.

Desde então, tem participado com êxitos como em The Firm(1993), The Quick and the Dead (1995), Crimson Tide (1995), A Gaiola das Loucas, The Birth Cage (1996), Absolute Power (1997), The Royal Tenenbaums (2001) e O Juri (2003).

A primeira mulher de Hackman foi Faye Maltese, com quem teve três filhos, mas o casal divorciou-se em 1986 depois de 30 anos de casamento. Voltou a casar com Betsy Arakawa e vivem em Santa Fé, Novo México.

Ardida como Pimenta...

2011-12-23T14:06:00.000-08:00

Ana Maria Cavalcanti

Quem não se lembra da loiríssima e sorridente Dóris Day cantando ‘Quem será, Será? Ou fazendo o papel da garota sexy-ingenua ao lado do bonitão Rock Hudson? Agora, essa verdadeira lenda de Hollywood, aos 87 anos, está de volta fazendo o maior sucesso com o álbum “My Heart”. O disco, lançado no dia 5 deste mês, já está em nono lugar da parada pop americana e tudo indica que vai para o topo, neste fim de semana.

Sem dúvida um passo gigantesco desta cantora-atriz que há quase duas décadas não lançava um disco. O novo álbum tem 12 faixas, com quatro composições novas, três releituras do rock e diversos clássicos da artista. Dóris trabalhou com o compositor dos Beach Boys, Bruce Johnston, para escrever as faixas inéditas.

“Essas canções todas significam muito para mim”, disse ela. “Elas trazem lembranças alegres dos meus amigos que apareceram na TV comigo, de meus animais e especialmente do meu filho Terry Melcher”, autor de várias delas.

Desde a morte, aos 62 anos, de Terry, seu filho único, de um câncer de pele, em 2004, Doris leva uma vida reclusa, dedicando-se exclusivamente à proteção de animais na “Dóris Day Pet Foundation”, criada em 1978.

A carreira musical desta loira de Hollywood começou em 1945, com o single Sentimental Journey. Depois vieram mais de duas dezenas de sucessos, entre eles , aquele conhecido mundialmente: Whatever Will be, Will be ( O que Será será ) que foi a trilha sonora do filme “O Homem que sabia demais”, de Alfred Hitckok, ganhador do Oscar de Melhor Canção ( 1956).

Dóris Day tem duas estrelas na calçada da fama de Holywood: uma como cantora, outra como atriz, em Calamity Jane (1953) – Ardida como Pimenta, arrancando gargalhadas, dançando e cantando a inesquecível Secret Love, canção que ganhou um Oscar e que chegou ao primeiro lugar do Billboard.

Dóris Day aparece na capa de seu novo álbum, ao lado de um de seus animais de estimação, com o mesmo cabelo loiro e o mesmo sorriso que tanto fizeram sucesso nas décadas de 50/60. Voltou com tudo, como convém a uma verdadeira artista.

Matéria assinada pela jornalista Ana Maria Cavalcanti do site 50 e Mais

http://www.50emais.com.br/

Ela encantou uma geração com seus cabelos dourados, rosto bonito e imagem saudável. Hoje são apenas os cabelos que oferecem uma pista de sua identidade.

Doris Day, 84 anos, mudou seu nome para Clara Kappelhoff e virou as costas para Hollywood para viver um estilo de vida recluso numa Califórnia rural.

Visto fazendo compras com uma amiga em sua cidade natal do Carmelo, é difícil acreditar que ela foi uma das atrizes mais prolíficas da década de 1950 e 60.

Seu rosto é desprovido de maquilagem, seu cabelo está desarrumado e ela está vestida com calças de jogging.

Fonte: Dayli Mail

Caricatura: João de Deus Netto - CinemaScope

A Deusa de Ébano..

2011-12-10T15:26:00.000-08:00

Josephine Baker

Não foi à toa que ela recebeu os apelidos de "Vênus negra" e "Deusa de Ébano" e arrancou elogios de grandes personalidades. Extravagante e sensual, sempre se apresentando em trajes ousados, conquistou Paris e deixou muitos homens e mulheres apaixonados.

Seu nome verdadeiro era Frida Josephine McDonald, filha de Carrie McDonald e Eddie Carson, músico. Teve uma infância pobre, no sul dos Estados Unidos, em Saint Louis, e às vezes dançava nas ruas para ganhar algumas moedas. Como a mãe e a irmã, trabalhou como lavadeira na casa de senhoras malvadas (uma delas chegou a lhe escaldar as mãos porque tinha gasto muito sabão).

Um dia arrumou o emprego de camareira da diva negra Clara Smith, e conseguiu a oportunidade de substituir uma corista. Aos 15 anos, casou- se com William Howard Baker e ganhou seu sobrenome, mas deixou-o dois anos depois, quando saiu de St. Louis, devido à grande discriminação racial que havia na cidade. Aos 19, arrumou uma vaga num show da Broadway. Achavam que ela fazia muitas caretas e que tinha olhos vesgos. Por sorte, foi selecionada para participar de "Revue Nègre" em Paris.

Desembarcou na cidade luz no ano de 1925 e na noite de estréia, no Teatro Champs Ellysées, tinha os artistas Léger e Jean Cocteau na platéia. As atrações do show eram os bailados exóticos e os negros zulus. Josephine fazia uma dança selvagem, com as plantas do pé no chão e as pernas arqueadas, com os seios de fora e uma tanga de penas.

Desbocada e sexy, tornou-se estrela no ano seguinte, no Folies Bergères e no Cassino de Paris, conquistando a fama logo em seguida. Sua primeira performance foi a famosa dança da banana, em que se apresentava vestida somente com uma tanga feita com as frutas. Ela rapidamente tornou-se a favorita da França. Ficou casada algum tempo com Pepito di Abatino.

Em 1929, após uma turnê na América do Sul, no navio que levava Josephine Baker - "a mulher mais famosa do mundo" - para a Europa, conheceu o brilhante arquiteto LeCorbusier. Segundo a biografia escrita por Phyllis Rose, os dois talvez tenham sido amantes. É possível, porque o que não faltaram na vida de Josephine foram maridos e amantes. Além de Baker e Abatino, casou-se com Jean Lion, Joe Bouillon e Robert Brady. A lista de admiradores incluía Georges Simenon, Pablo Picasso, Alexander Calder, E. E. Cummings e outros.

A participação de Josephine na Resistência Francesa durante a Segunda Guerra Mundial e sua luta contra o racismo lhe valeu as duas mais altas condecorações da França, a Cruz de Guerra e a Legião de Honra.

A partir de 1950, começou a adotar crianças órfãs durante suas turnês pelo mundo, passando a criá-las em seu castelo, Les Milandes, nas vizinhanças de Paris. Também adotava animais, de todas as raças. Chegou a passear por Paris com um leopardo (Chiquita) que, de vez em quando, escapava da coleira dentro de um teatro, quando ela insistia em levá-lo para assistir a uma peça.

No final dos anos 1960, passou por dificuldades financeiras e parou de se apresentar em 1968. A princesa Grace de Mônaco ofereceu a ela uma casa no Principado, quando soube dos seus problemas. Baker apresentou-se então em Mônaco, com grande sucesso, em 1974. No mesmo ano fez apresentações em Nova York. Estava se preparando para comemorar, em Paris, os 50 anos de palco, quando entrou em coma e morreu aos 68 anos, em 12 de abril de 1975. Seu funeral foi em Paris e ela foi enterrada em Mônaco.

Josephine Baker esteve no Brasil pela primeira vez em 1929. Apresentou-se no Teatro Cassino, no Rio de Janeiro. Voltou em 1952 e contracenou com Grande Otelo no show "Casamento de Preto", onde cantava "Boneca de Piche" em português. Em 1963 fez uma temporada no Copacabana Palace e apresentou-se no Teatro Record, em São Paulo. Esteve pela última vez no Brasil em 1971, no Rio de Janeiro, em Belo Horizonte e em Porto Alegre.

Fontes: IMDB - Site da Atriz

A Rainha do Crime

2011-12-10T07:09:00.000-08:00

15/9/1890, Torquay, Inglaterra

12/1/1976, Londres, Inglaterra

Nascida Agatha May Clarissa Miller, ela se casou em 1914, com o Coronel Archibald Christie, um aviador da Força Aérea britânica. Com ele, teve sua única filha, Rosalind. Durante a Primeira Guerra, Agatha trabalhou como farmacêutica, o que lhe proporcionou, segundo consta, grandes conhecimentos sobre poções e veneno, que seriam mais tarde empregados em suas obras.

Ao contrário dos irmãos, Agatha nunca teve chance de frequentar a escola pública, e foi educada pela mãe, num ambiente quase recluso onde Agatha interessou-se pela música clássica e sonhava em ser cantora lírica. Agatha chegou até mesmo a estudar música em Paris. Em sua infância, também através da mãe, teve o primeiro contato com a literatura.

Em seus 56 anos de carreira Agatha escreveu mais de 80 livros, fora as várias peças teatrais e adaptações cinematográficas e televisivas de suas obras, protagonizadas por Hercule Poirot, o detetive belga popularizado pelo uso de suas células cinzentas, e Miss Marple, a solteirona, que observando a natureza humana pode solucionar os mais obscuros mistérios.

Agatha está no Guiness Book of The Worlds Record, como a autora mais vendida no mundo, seus livros já venderam mais de 3 bilhões de cópias em 44 idiomas, os royalties gerados pelas obras são de US$4 milhões por ano, Agatha é também uma das autoras mais prolíficas do mundo. A autora também ocupa um lugar no Guinnes pela peça teatral de maior duração do mundo, The Mousetrap estreou em 25 de novembro de 1952 no Ambassadors Theatre em Londres, em 25 de março de 1974 foi para o St. Martin’s Theatre, e continua lá até hoje.

Viagens

A primeira viagem de Agatha foi à França, e logo em seguida ela foi ao Cairo, mas uma de suas mais interessantes viagens foi à Bagdá no Orient Express (Expresso o Oriente), em 1928, foi em Bagdá aliás, que Leonard Wooley, apresentou-a a Max Mallowan, seu futuro marido, e que mudaria a vida de Agatha completamente, nos próximos 30 anos ela viajaria o mundo em missões arqueológicas, e não teria mais residência fixa. A inspiração para o livro Assassinato no Expresso do Oriente, veio em 1931, quando Agatha ficou presa com outros passageiros no Simplon-Orient Express quando voltava de Nínive, o livro foi publicado em 1934 e baseia seu enredo exatamente nisso: um grupo de pessoas presas num trem por conta da neve.

Durante as escavações arqueológicas, além de ajudar o marido a restaurar e limpar objetos antigos, Agatha também escrevia. E foram suas descobertas sobre as civilizações passadas, que a levaram a se interessar pela vida nos desertos do Oriente Médio. A disposição real do navio SS Karnak no Nilo que a inspirou a escrever Morte no Nilo. As escavações em Ur, para Morte na Mesopotâmia; as visitas a Petra para Morte entre as Ruinas; e uma experiência no sul da Mesopotâmia para Aventura em Bagdá.

Ao todo, é autora 66 novelas policiais, 163 histórias curtas, duas autobiografias, vários poemas, e seis romances “não crime” com o pseudônimo de Mary Westmacott. Pioneira em criar desfechos impressionantes, verdadeiras surpresas para os leitores, seus textos seguem fascinando as novas gerações.

Sua única filha, Rosalind Hicks, morreu em 28 de outubro de 2004, também com 85 anos e, assim como a mãe, de causas naturais. A partir de então, os direitos sobre a obra de Agatha Christie passaram a pertencer ao seu neto, Mathew Princhard.

Fontes:

Site da Escritora - Site da Editora

Wikipedia

Rio, 40 Graus...

2011-12-09T15:04:00.000-08:00

“Escrevi o roteiro do Rio, 40 graus, mas não consegui produção, pois ninguém queria fazer um ﬁlme com personagens negros...” (Entrevista no final do post).

Filho de um alfaiate e de uma dona-de-casa de origem italiana, Nelson Pereira dos Santos nasceu no bairro do Brás e foi criado no Bixiga, em São Paulo. No início dos anos 50, formou-se pela Faculdade de Direito do Largo São Francisco, mas já estava apaixonado pelo cinema. Escolheu então o Rio de Janeiro para morar e iniciou a trajetória que o tornaria um dos mais importantes precursores do movimento do Cinema Novo.

Após uma viagem a Paris, fez o curta-metragem "Juventude", um documentário em 16 mm. No ano seguinte estreou como assistente de direção no filme "O Saci", de Rodolfo Nanni. Em 1955, aos 27 anos, lançou o longa "Rio 40 Graus", o primeiro de uma trilogia idealizada sobre a cidade que adotou. Dois anos depois concluiu "Rio, 40 Graus”.

Nelson Pereira dos Santos fez mais de 20 filmes, entre os quais "Vidas Secas", "Boca de Ouro", "Mandacaru Vermelho", "El Justicero", "Fome de Amor", "Como Era Gostoso o Meu Francês", "Azyllo Muito Louco", "Amuleto de Ogum", "Jubiabá", "A Terceira Margem do Rio", "Cinema de Lágrimas" e "Tenda dos Milagres".

Em 1984, transformou uma obra-prima de Graciliano Ramos, "Memórias do Cárcere", em filme e ganhou o prêmio da crítica especializada no Festival de Cannes, França.

Nelson foi professor fundador do curso de cinema da Universidade de Brasília (o primeiro do Brasil). Lecionou ainda na Ucla (Universidade da Califórnia em Los Angeles) e na Universidade de Columbia, em Nova York. É também membro do Conselho Superior da Escola de Cinema de Havana.

Seu trabalho mais recente é o filme "Brasília 18%", cujo título é uma referência à baixa taxa de umidade do ar na cidade.

Durante 49 anos Nelson foi casado com a antropóloga Laurita Andrade Sant'Anna dos Santos, que faleceu em junho de 1999. Tem três filhos - Nelson, Ney e Márcia - e cinco netos.

No dia 17 de julho de 2006, aos 77 anos, foi o primeiro cineasta a se tornar membro da Academia Brasileira de Letras, na cadeira de número 7, cujo patrono é Castro Alves, que pertencia anteriormente a Sergio Correia da Costa.

RANÇOIS TRUFFAUT disse certa vez que toda a obra de um cineasta está contida no primeiro carretel de seu primeiro ﬁlme. Talvez essa aﬁrmação seja válida somente para aqueles realizadores que apresentam grande coerência no interior de suas obras. Esse é o caso de Nelson Pereira dos Santos.

No primeiro carretel de Rio, 40 graus, podemos identiﬁcar uma característica que estaria presente durante toda sua trajetória como artista: o amor pelo Brasil. No entanto, a nação que Nelson Pereira dos Santos decidiu levar para as telas não é aquela dos cartões-postais, com belas praias ensolaradas. O Brasil que o diretor se propôs a retratar em seus ﬁlmes era grande demais para caber em versões oﬁciais, pois era o país dos favelados, dos ﬂagelados pela seca, dos artistas do povo, do universo mágico popular, dos intelectuais em crise ou atuantes diante dos regimes ditatoriais.

O cineasta concedeu uma entrevista à “Estudos Avançados”, em 2007, quando falou sobre alguns de seus ﬁlmes e, por extensão, sobre o Brasil dos últimos cinqüenta anos.

ESTUDOS AVANÇADOS – Você começou a ir ao cinema ainda na década de 1930. Quais eram os ﬁlmes a que o menino Nelson Pereira dos Santos assistia nas matinês dos cinemas do Brás?

Nelson Pereira dos Santos – Minha mãe contava que levava a família às matinês dominicais do Cine-Teatro Colombo. Morávamos no outro lado da rua. As sessões começavam logo depois do almoço – “Quem não comer tudo não vai ao cinema!” – e terminavam às 7 da noite. No programa: dois longas, dois seriados, tipo Tom Mix ou Tarzan, uma comédia de curta-metragem, pelo menos um desenho animado e alguns trailers dos programas a seguir.

Acho que o primeiro ﬁlme que vi, ou pelo menos aquele que mais me marcou, foi um western. Lembro-me apenas da parte ﬁnal, quando o herói, um jovem caubói, atravessa o deserto, última etapa para voltar à sua cidade e aos braços da amada. Está faminto e sedento. Encontra uma casa em ruínas e, nela, um poço com terrível aviso: “Quem beber dessa água, morrerá em uma hora”. O herói despreza a advertência, mata a sede e continua a cavalgar. Consegue chegar à cidade, que se encontra em plena celebração de um casamento. O casamento de sua amada com outro...

Continue com a ENTREVISTA

O Cavaleiro Solitário...

2011-12-03T09:28:00.000-08:00

Buck Jones, nome artístico de Charles Frederick Gebhart, (Vincennes, Indiana, 12 de dezembro de 1891 – Boston Massachussets, 30 de novembro de 1942) foi um ator norte-americano conhecido pelos seus papéis de cowboys em inúmeros faroestes desde os tempos do cinema mudo.

Trabalhou no circo como peão, treinou cavalos para o governo francês e ensinou equitação na França. Em 1915 conheceu a amazona Odille Osborne, com quem celebrou um casamento que durou a vida inteira. Já casado, foi piloto de carros de corridas e finalmente chegou a Hollywood em 1917, a bordo do Ringling Brothers Circus.

Começou como extra até ser contratado para pequenos papéis pela Fox, sendo também dublê de Tom Mix. Em 1920 estrelou Quem Não Se Arrisca (The Last Straw). Nos anos que se seguiram, fez sessenta filmes naquele estúdio. Saiu em 1928 para fundar sua própria produtora, que faliu com apenas um filme, O Grande Salto (The Big Hop), dando-lhe enorme prejuízo. Abandonou as telas e voltou-se novamente para o circo, mas teve de desistir depois de apenas dois meses. Felizmente, nessa época começavam a ser produzidos os filmes falados e a Columcia Pictures contratou-o por uma fração do que ganhava na Fox. Seu primeiro filme sonoro foi O Cavaleiro Solitário (The Lone Rider, 1930). Depois de vinte e nove filmes para a Columbia, Jones e seu cavalo Silver transferiram-se para a Universal Pictures, em 1933. Ali, sua carreira atingiu o ápice, tendo ficado entre os dez cowboys mais populares até 1938. Na Universal, fez vinte e dois filmes e quatro seriados, tendo inclusive dirigido alguns deles. Jones tinha um talento nato para a comédia e várias vezes seus filmes o retratavam como um cowboy tímido e ingênuo no início, o que proporcionava as cenas cômicas queridas pelas platéias e detestadas pelos críticos. No decorrer da ação, no entanto, Jones transformava-se aos poucos no durão implacável característico dessas produções.

Capas das revistas em quadrinhos da Editora Ebal do Rio de Janeiro.

Por volta de 1938, uma nova geração havia aportado nos campos do faroeste B. Eram os cowboys cantores, como Gene Autry, Roy Rogers, Tex Ritter e tantos outros. Com isso, a carreira de Jones entrou em franco declínio. Sem contrato, conseguiu apenas meia dúzia de modestos filmes por um estúdio do Poverty Row, distribuídos pela Columbia. Depois de um período ocioso, estrelou o drama Compromisso de Honra (Unmarried, 1939), para a Paramount. No ano seguinte, desagradou seus fãs ao aceitar o papel de um bandido em A Caravana do Oeste (Wagons Westward, 1940), estrelado por Chester Morris para a Republic. Ainda fez dois seriados em 1941 e quando tudo indicava que sua carreira chegara ao fim, a Monogram chamou-o para uma série de filmes do “trio Western”, "The Rough Riders", ao lado de Tim McCoy e Raymond Hatton. Entre 1941 e 1942, foram produzidas oito películas movimentadas (ainda que rotineiras), após o que o trio se desfez, pois McCoy alistara-se novamente no exército. Depois de um último filme, Amanhecer na Fronteira (Dawn on the Great Divide, 1942), já fora da série, Jones passou a sair em excursões, onde se apresentava individualmente e vendia bônus de guerra.

Cartazetes (fotos) de divulgação dos filmes nos saguões dos "cinemas de ruas" do mundo inteiro.

Em 28 de novembro de 1942, encontrava-se em Boston, Massachusetts, quando um grande incêndio no restaurante onde jantava causou várias vítimas fatais. Jones conseguiu ser retirado com vida, porém não resistiu aos ferimentos e faleceu dois dias depois

Fonte: IMDB - Wikipedia - Acervo Editora Ebal

Caricatura: João de Deus Netto - CinemaScope

Punhos Contra Revólvers... B

2011-12-03T08:07:00.000-08:00

Tim Holt, nome artístico de Charles John Holt III, (Beverly Hills, Califórnia, 5 de fevereiro de 1919 – Shawne, Oklahoma, 15 de fevereiro de 1973), ator norte-americano conhecido não só por estrelar dezenas de faroestes B, mas também por trabalhar com diretores de prestígio, como John Huston, John Ford e Orson Welles, entre outros.

Como se costuma dizer, tal pai, tal filho, o Cowboy herói Tim Holt literalmente seguiu as botas de seu pai ator famoso, o “Queixo de Granito” Jack Holt (nascido John Charles Holt), que apareceu em centenas de filmes mudos e falados (maioria westerns) ao longo dos anos. Os dois apareceram juntos, também, como pai e filho no western Arizona Ranger (1948). A dupla pai e filho estiveram também no clássico O Tesouro de Sierra Maestra, do mestre John Huston.

Ao contrário dos outros atores de faroestes B, Tim Holt sabia interpretar. Daí que tenha feito tantos filmes importantes, como Soberba (The Magnificent Ambersons, 1942), de Orson Welles, O Tesouro de Sierra Madre (The Treasure of Sierra Madre, 1948), de John Huston, além de No Tempo das Diligências (Stagecoach, 1939) e Paixão de Fortes (My Darling Clementine, 1946), ambos de John Ford. Apesar disso, Holt sempre voltava aos modestos faroestes, porque era disso que gostava e porque a vida glamurosa de Hollywood não tinha interesse para ele.

Seus filmes eram produções bem cuidadas, que continuaram assim até o final, como sucedeu somente com Gene Autry e Roy Rogers. Cada produção custava em torno de noventa mil dólares e rendia até quinhentos mil.

Holt teve vários sidekicks (companheiro, bobalhão, parceiro ou ajudante, no Brasil). A primeira série, entre 1941 e 1943, chegou a funcionar como um “trio Western”, com Ray Whitley (doze filmes) co-estrelando e cantando e Emmett Lynn (os quatro primeiros) e Lee "Lasses" White (os oito seguintes) fazendo o humor. As seis últimas fitas dessa fase foram feitas como dupla, com Cliff "Ukelele Ike" Edwards. Também na segunda série, de 1948 a 1952, Holt só teve um parceiro: o ator Richard Martin, no papel de Chito.

Tim esteve entre os dez cowboys mais populares em 1941, 1942 e 1943 e depois de 1948 a 1952.

Além de trabalhar com grandes diretores, Holt também contracenou com grandes atores: Barbara Stanwyck, Claire Trevor, Henry Fonda, Olivia de Havilland, Joseph Cotten, Victor Mature, John Wayne, Humphrey Bogart etc.

Os Filhos de Hitler (Hitler's Children 1943) de Edward Dmytryk, um esforço de guerra patriótico estrelado por Holt, foi um dos maiores sucessos comerciais da história da RKO: custou menos de duzentos mil dólares e rendeu mais de cinco milhões.

QUADRINHOS

Tim Holt se transformou num cauboi heroi de histórias em quadrinhos, que depois de algum tempo adotaria uma identidade secreta: a do Red Mask ou Máscara Vermelha, criado pelo editor Ray Krank e desenhado por Frank Bolle.

Fonte: IMDB - Wikipedia
Caricatura: João de Deus Netto - CinemaScope